作者 | 李沁予
音乐产业,正在重新把“创作”放回中心。
在AI降低创作门槛、流量加速内容迭代的当下,做出一首歌已经变得越来越容易,行业关注点反而开始回归到创作本身:什么样的作品,能够穿过算法和流量,被人真正记住?
某种程度上,8月25日在广州举办的首届流行音乐创作大会(广东)正是在回应这个时代之问。《广州市推动音乐产业高质量发展的若干措施》、广州音乐公园建设运营规划、首届流行音乐创作大赛相继发布,“华语流行音乐原创榜”揭晓,流行音乐产业协作联盟也在现场成立。
这些动作看似横跨创作、政策、空间与产业,背后却指向了同一个起点:一首好歌。
作为亲历者和见证着,会发现整场大会一边讨论AI如何进入创作,一边重新追问人的审美、创新与共情为何仍不可替代;一边强调原创,一边又把音乐推向影视游戏、文旅、IP开发乃至海外市场。它所讨论的,已经不只是“一首歌如何被创作出来”,而是当内容供给越来越充沛之后,一首真正的好歌,如何被听见、被留下,并进一步连接一群人、一个产业、一座城市,甚至更大的世界。
从这个意义上说,这场大会试图回答的,也是当下音乐产业最现实的问题:技术不断改变音乐的生产方式之后,下一阶段的增长,最终还要从哪里发生?
工具越来越强,为什么“人”反而越来越重要?
过去十多年,流媒体重塑了音乐产业的生产与传播逻辑;如今,AI开始深度介入创作本身。
首届流行音乐创作大赛特别设置了AI音乐赛道,月听峰值达2600余万的AI歌手“大头针Official”也登上央视《2026中国AI盛典》,与著名艺术家吴彤同台合唱。这些都进一步说明,AI音乐开始从技术实验进入主流视野。
但同时,一个新的问题也随之出现:当创作门槛不断降低,什么才是一首歌真正不可替代的价值?答案依然还是得回到创作本身。
在首届流行音乐创作大会(广东)的“原创·融合·赋能”2026流行音乐深度对话中,多位音乐人从不同角度给出了答案。
说唱歌手揽佬认为,《大展鸿图》的走红既有作品本身的积累,也离不开流媒体时代带来的传播机会,“如果没有流媒体,大家根本不可能看见我”。不过,平台能够帮助作品突破圈层,真正决定作品能否留下来的,仍然是内容本身所具备的穿透力。
这一判断在《中国人会飞》上体现得尤为明显。歌曲并没有提供一个被完全定义的答案,而是通过富有想象空间的表达,为听众留下了参与和再创造的空间。正是这种开放性的内容结构,作品与用户之间得以形成持续互动,并通过二次创作不断延展意义。
如果说揽佬对于创作价值的理解落在留白,那么一级词曲作家吴颂今强调的则是真情。
吴颂今回忆,观看电影《给阿嬷的情书》后,他被侨批文化和情感表达深深触动,随后创作了歌曲《深深的侨批情》。作品最初以国语版本呈现,之后又自然延展出潮语、粤语、泰语、英语等多个版本。在他看来,创作者首先要被自己的作品打动,才能真正触动听众。
而春山音乐主理人张超提供了另一个维度的答案:生活。十余年来,他扎根贵州,持续深入少数民族村寨采风,并创作出《上春山》《奢香夫人》等具有鲜明地域气质的作品。
他形容道,“好歌都是从地里长出来的,因为它需要扎根在这个土壤,接受这块地方的风土人情,吸收这个地方的阳光。它长出的这朵花一定是这片土地最有标志性的,这朵花别人代替不了,写不了。”
从揽佬的“留白”、吴颂今的“真情”,到张超的“生活”,三位音乐人的结论看似迥异,却指向了同一个核心:AI可以学习声音、结构和风格,却很难复制人与现实世界之间真实的碰撞。
这正是为什么,在AI时代,原创没有被削弱,反而更加重要。当海量内容可以快速被生成,那些烙印着个人生活经验、情绪记忆与文化背景的独特表达,会变得更加稀缺。
因此,AI时代真正被重新定义的,并不只是创作工具,还有音乐人的能力结构。
资深音乐人阿沁表示,每当新的AI工具出现,他几乎都会第一时间尝试,但在体验过Suno等AI音乐产品后,他却得出了一个有趣的结论:“AI写歌比我慢。”25年的音乐创作经历、近800首发表词曲,以及与数百位音乐人合作的经验,让旋律的产生几乎成为一种本能。对他而言,AI带来的效率提升,并不一定发生在创作最核心的部分。
相比AI能不能写出一首歌,阿沁更在意年轻人接触音乐的方式正在改变。过去学音乐可能从一把吉他、一台琴开始,如今一部手机、一个AI工具就可以成为创作的起点。“很可惜的不是他做不出能卖钱的音乐,而是他可能已经不会自己去唱一段旋律。”那些弹吉他手会痛、弹钢琴需要反复练习的经验,在他看来,同样是音乐创作的重要部分。
不过,技术降低了进入创作的门槛,却不能替代创作者建立审美和感受世界的过程。
词曲作者邓澄以自己的代表作品《嘉禾望岗》为例,将这种不可替代性总结为三个关键词:审美、创新和共情。其中,审美决定了创作者面对海量可能性时如何选择,创新决定了作品能否突破已有经验,形成新的表达,而这正是算法最难替代的部分;共情则来自真实的人生体验。
这意味着,AI并没有让真正的音乐创作变得更简单。相反,当生产越来越容易,创作者的价值正在从完成一首歌,转向判断什么值得做、为什么这样做,以及如何让作品真正与人产生连接。对于创作者而言,AI应该是被驾驭的工具,而不是反过来定义创作方式的主体。
也正因此,首届流行音乐创作大会(广东)一方面拥抱AI辅助创作,一方面仍然把原创放在核心位置。技术可以扩大创作边界,但无法替代创作者对于世界的观察。决定作品最终能够走多远的,依然是人。
音乐+产业:好内容怎样获得更大的生命力?
如果说第一部分讨论的是“什么样的作品值得被留下”,那么接下来的问题就是:一首好歌被创作出来之后,还能走多远?
过去,音乐产业的价值链主要围绕创作、发行、传播与消费展开。一首歌上线后,播放量、榜单表现和用户反馈,往往构成了衡量其市场价值的主要标准。但在今天,一首歌的生命周期正在被重新拉长。
它可以进入影视、游戏,成为叙事的一部分;也可以与文旅、地方文化结合,长成一个持续运营的IP;甚至经过本地化改编,进入完全不同的海外市场。音乐的价值,不再只发生在播放器里。
游戏音频设计师、8082Audio创始人李佳骐在对话中指出,无论游戏还是影视,音乐都只是综合艺术的一部分,真正的目标,是让音乐与画面、剧情、角色共同完成整体体验。“创作者需调整主观审美,把自己放在电影作品里进行更整体的思考,让观众获得更沉浸的体验”。
比影视、游戏更进一步的,是音乐从一首作品长成一个IP。当下贵州“村超”、“村BA”“、村T”等“村”字号IP的兴起,就提供了一个典型样本。
2023年,由张超作曲、词作家玉镯儿作词的《大山的小孩》,在36位苗族女童“村BA”现场演唱中正式首发,随后入选中宣部100首“童声里的中国”全国优秀曲目,成为贵州省唯一入选作品。围绕这首歌,贵州省文联副主席肖勤创作了中篇小说《廖崩嗒佩合唱团》,刊登于《人民文学》;目前根据小说改编的电影《勇敢女孩合唱团》也已进入制作阶段。
从一首歌到一部小说,再到一部电影,音乐在这里不再只是IP链条末端的配乐,而是成为了内容生长的起点。
类似的价值延展,也出现在文旅场景。
今年8月,酷狗音乐参与主办的“村K歌会·山海音乐嘉年华”在广西龙胜举行,并推动“村K歌会·山海音乐季”IP落地当地,尝试将音乐带来的关注度进一步转化为餐饮、住宿、交通、景区等县域消费。
这背后其实是一套新的逻辑:音乐负责制造情绪、记忆和关注,而产业需要思考的,是如何把这些内容价值继续向外延伸。如果说文旅融合、IP商业转化解决的是音乐价值延伸的“内循环”,那么出海则是华语音乐寻找第二增长空间的重要方向。
根据Meta发布的2023年文化趋势报告显示,华语音乐在Instagram上的话题增长度达到1600%。相比5年前、10年前,华语音乐进入海外市场的窗口正在扩大。
但所谓“出海”,并不是把一首中文歌直接搬到海外平台。
酷狗文化的出海实践就提供了一个值得关注的样本。自2022年启动热歌出海项目以来,酷狗已构建起“华语音乐海外社媒宣推+中国音乐改编外文出海”的双模式。目前,已有57首歌曲登上Spotify、Apple Music、YouTube Music等主流平台超400个海外核心榜单,海外播放累计超200亿次。
在选歌策略上,酷狗强调旋律先行,再结合当地文化表达传递作品内核,以本土化方式实现跨文化共鸣。比如《一路生花》印尼语版就是一个典型案例。团队没有直接翻译中文歌名,而是提取其中“希望”的核心意象,将作品重新命名为《Mimpi》,用当地听众更容易理解的情感语言,重新建立进入作品的入口。
酷狗文化负责人刘洲将这一方法论概括为“中国旋律,本地表达”。她认为,中国歌曲要“走出去”,更要“走进去”,这需要结合当地的内容传播逻辑和创作者团队,在保留原旋律及内容内核的基础上进行本土化再创作。
从影视游戏、文旅IP,再到海外市场,可以看到,“音乐+”真正扩大的并不只是音乐的应用场景,而是一首作品的价值半径。当一首好歌能够进入更多内容、产业和文化场景,它才有可能从一次性的流量产品,变成一个持续生长的内容资产。
结语
回望首届流行音乐创作大会(广东),无论是AI时代原创价值的重新确认,还是“音乐+”推动的产业融合,本质上都是围绕同一个目标展开:让优质内容被更多人发现,也让有价值的作品拥有更大的表达空间。
技术可以改变生产方式,平台可以放大传播效率,产业融合也可以不断延长作品的生命周期,但这些都建立在内容本身足够成立的前提之上。这也意味着,今天音乐产业重新强调“创作”,并不是回到一个旧命题,而是在新的技术和产业环境下重新确认它的起点意义。
正如腾讯音乐娱乐集团副总裁、酷狗音乐董事长傅鸿城所言:“从一首好歌出发,链接一群人、一个产业、一座城市,最终连接世界。”对于正在寻找下一阶段增长答案的流行音乐产业而言,值得押注的,或许从来都不是某一种技术、某一个流量入口,而是那些能够不断产生连接的好内容。
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